BLACK FILMS MATTER (1920-2020)

Oscar Micheaux. The Darktown Revue
Estados Unidos, 1931, b/n, VO en inglés con subtítulos en español, AD y DCP, 18’

Oscar Micheaux. Within Our Gates
Estados Unidos, 1920, b/n, muda, DCP, 79’. Versión restaurada

Solomon Sir Jones. Rev. S. S. Jones Home Movies
Estados Unidos, 1924-1928, b/n, muda, DCP y AD, 18’

Zora Neale Hurston. Zora Neale Hurston Fieldwork Footage
Estados Unidos, 1928, b/n, muda, DCP y AD, 2’

The Works Progress Administration. We Work Again
Estados Unidos, 1937, b/n, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 15’

Zora Neale Hurston. Commandment Keeper Church, Beaufort South Carolina, May 1940  
Estados Unidos, 1940, b/n, muda, DCP y AD. 15’

―Con acompañamiento musical en directo de Jordi Ballarín y Harold Rey, en el segundo pase

Este programa propone cuatro trabajos que documentan la vida de la comunidad afroamericana en los Estados Unidos entre la Gran Depresión y la entrada del país en la Segunda Guerra Mundial. Por un lado, las filmaciones caseras del reverendo S. S. Jones y el documental Commandment Keeper Church, Beaufort South Carolina, May 1940 muestran los espacios propios de la comunidad, desde la importancia del entorno religioso hasta sus escuelas y negocios. Por otro, la realidad laboral de los ciudadanos afroamericanos confrontada con la visión idealizada que ofrece We Work Again, una pieza de propaganda producida por la administración de Roosevelt. La sesión también supone una oportunidad única para descubrir el trabajo de la cineasta, escritora y antropóloga Zora Neale Hurston, una figura central del movimiento cultural e intelectual afroamericano de la primera mitad del siglo XX.

Kara Walker. 8 Possible Beginnings or The Creation of African-America, a Moving Picture
Estados Unidos, 2005, b/n, muda con intertítulos, DCP y AD, 16’

Kara Walker. Six Miles from Springfield on the Franklin Road
Estados Unidos, 2009, color, muda con intertítulos, DCP y AD, 13’

Kara Walker. Lucy of Pulaski
Estados Unidos, 2009, color, muda con intertítulos, DCP y AD, 12’

Kara Walker es una reconocida artista contemporánea, cuya obra explora la intersección entre raza, género, sexualidad y violencia en los tiempos de la esclavitud afroamericana. Su trabajo usa medios pobres y elementales que aluden a la cultura popular de finales del siglo XIX y comienzos del XX, como el dibujo, las siluetas negras, los recortes o el teatro de sombras. Con ello evoca el modo de vida y las costumbres en la época de los pioneros cinematográficos con quienes dialoga en este ciclo. Esta sesión muestra los cortometrajes de la artista, los cuales remiten a la animación de Lotte Reiniger en la década de 1930, pero abordando en esta ocasión la explotación física y sexual en las plantaciones de algodón.

Melvin Van Peebles. Sweet Sweetback’s Baadasssss Song
Estados Unidos, 1971, color, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 97’

La desaparición durante la década de 1940 de los llamados race films, las películas destinadas a un público exclusivamente negro y que el inicio de este ciclo recoge, dejó a la comunidad afroamericana en un estado de orfandad cinematográfica durante varias décadas. Las únicas posibilidades que tenían de encontrar referentes en la pantalla se reducían a los tímidos escarceos de Hollywood con la lucha por los derechos civiles a lo largo de la década de 1960, en su mayoría protagonizados por el actor Sidney Poitier, hasta la llegada de Melvin Van Peebles. A través de la historia de un prostituto negro que salva a un miembro de los Panteras Negras de la brutalidad de dos policías, Van Peebles dio el pistoletazo de salida del estallido de películas blaxploitation que inundarían las salas de las ciudades estadounidenses a principios de la década de 1970, demostrando que había todo un público potencial que estaba siendo industrialmente ignorado y marginado. Asimismo, supuso el primer filme afroamericano abiertamente revolucionario, lo que se refleja con orgullo en su cartel: “Calificada X por un jurado de hombres blancos”.

Don Amis. Ujamii Uhuru Schule / Community Freedom School
Estados Unidos, 1974, color, VO en inglés con subtítulos en español, 9’
Cortesía de UCLA Film & Television Archive

Charles Burnett. Killer of Sheep
Estados Unidos, 1978, color, VO en inglés con subtítulos en español, 83’

Charles Burnett es el miembro más destacado de L.A. Rebellion, el movimiento fílmico conocido también como la Escuela de cineastas negros de Los Ángeles, activo entre 1960 y 1980, y que supone uno de los pilares para un cine negro independiente y comprometido. En sus primeras películas, Burnett supo combinar el naturalismo neorrealista con elementos líricos. Killer of Sheep es su película de graduación en The University of California en Los Angeles (UCLA) y está ambientada en el barrio de Watts, el gueto más célebre de la ciudad. Burnett realiza un retrato humanista de la clase obrera negra de Estados Unidos a partir de la historia del trabajador de un matadero, sensible y frustrado, al que su trabajo le afecta en su vida privada, con su esposa y sus dos hijos. La sesión se completa con el cortometraje documental de Don Amis, también miembro de L.A. Rebellion, una mirada interior a una escuela primaria comunitaria basada en los principios del Black Power: respeto, rectitud y revolución.

Julie Dash. Daughters of the Dust
Estados Unidos, 1990, color, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y B-R, 120’. Versión restaurada por la Cohen Film Collection

Este primer largometraje de Julie Dash se convertiría en referencia ineludible del black film contemporáneo. Se adentra en los orígenes de una saga familiar de comienzos del siglo XX perteneciente a la cultura gulá, comunidad criolla con fuerte presencia en Carolina del Sur y Georgia, reconocida por fusionar y mantener las raíces y costumbres de África occidental en Estados Unidos. Siguiendo de manera no lineal la historia de tres generaciones de la familia Peazant, la crónica de Daughters of the Dust comienza en 1902 y recorre casi todo el siglo XX. Es una celebración onírica de las tradiciones populares y de la feminidad negra, en la que Dash trató de evocar la unidad y la identidad de una comunidad a lo largo del pasado, presente y futuro. La película cuenta con el trabajo de los artistas Arthur Jafa, como director de fotografía (premiado en el Sundance Film Festival), y Kerry James Marshall en la producción de diseño.

James y Eloyce Gist. Hell-Bound Train
Estados Unidos, 1930 ca, b/n, muda, DCP y AD, 50’

James y Eloyce Gist. Heaven-Bound Travellers
Estados Unidos, 1935 ca, b/n, muda, DCP y AD, 15’

―Con acompañamiento musical en directo de Jordi Ballarín y Harold Rey, en el segundo pase

El matrimonio formado por James y Eloyce Gist se dedicó a filmar películas pedagógicas, para mostrar en escuelas e iglesias de la comunidad afroamericana durante gran parte de la década de 1930. Sus filmes, rodados en 16 mm con muy escasos medios, sin sonido y actores no profesionales, servían como acompañamiento a los sermones que James Gist pronunciaba por todo el país. De ahí que estén marcados por un evidente carácter aleccionador y espiritual, pero también por una sorprendente libertad formal. Esta sesión ofrece su obra más ambiciosa, Hell-Bound Train, un catálogo de vicios de la época que el matrimonio quería denunciar (maltrato animal, alcoholismo, apuestas, baile, etc.), acompañada por una nueva partitura compuesta por Samuel Wymon, y después su secuela inacabada, Heaven-Bound Travellers, descubierta mientras se trabajaba en la restauración de Hell-Bound Train.

Kevin Jerome Everson. The Island of St. Matthews
Estados Unidos, 2013, color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 70’
Cortesía de Picture Palace Pictures

La obra de Kevin Jerome Everson, artista y cineasta contemporáneo que trabaja en el campo del cine experimental, trata sobre las comunidades de afrodescendientes de clase trabajadora, retratando sus condiciones materiales, tareas y gestos cotidianos. Filmada en 16 mm, esta película parte de la pérdida de la historia material que se fija en los objetos y en las fotografías. El director da voz a los residentes de Westport, una comunidad al oeste de Columbus, Misisipi, tras descubrir que las viejas fotografías familiares de su tía se perdieron en la inundación del río Tombigbee de 1973. Un poema fílmico sobre el recuerdo y los restos dejados por el desastre.

Spencer Williams. Hot Biskits
Estados Unidos, 1931, b/n, muda, DCP y AD, 10’

Spencer Williams. The Blood of Jesus
Estados Unidos, 1941, b/n, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 56’

Antes de volverse famoso entre la comunidad blanca estadounidense gracias a su participación en el popular programa televisivo Amos 'n' Andy en la década de 1950 —primera serie de ficción con un reparto íntegramente negro—, Spencer Williams había iniciado su carrera en el cine como actor en pequeñas películas independientes pensadas para su exhibición en las salas segregadas. Tras acumular varios de esos papeles, Williams se lanzó a la dirección, primero con cortometrajes y finalmente con el mediometraje The Blood of Jesus, que le volvió inmensamente célebre entre la comunidad afroamericana. La película narra la historia de una difunta que se enfrenta a las tentaciones del demonio en el más allá. En esta sesión, se proyecta acompañada por un cortometraje cómico dirigido también por Williams que muestra cómo el cine independiente afroamericano de la época adaptaba los géneros y lugares comunes de los grandes estudios de Hollywood, en este caso, los códigos del slapstick (comedia de golpe y porrazo).

Richard Maurice. Eleven P.M.
Estados Unidos, 1928, b/n, muda, DCP y AD, 60’

Eleven P.M., la única película que ha sobrevivido de las dirigidas por el cineasta y sindicalista Richard Maurice, supone una absoluta rareza en varios frentes. Para empezar, se trata de una ficción ambientada y rodada en localizaciones naturales de Detroit, algo inusual dentro del cine mudo estadounidense, en el que predomina de forma abrumadora las imágenes de Nueva York y Los Ángeles. Pero, por encima de todo, la película destaca dentro del cine afroamericano de la época por su adhesión a los códigos del cine criminal y su declarada voluntad experimental. A partir de un sencillo melodrama sobre un músico callejero que se ve en la obligación de cuidar de una joven huérfana, Maurice articula un relato lleno de elementos fantásticos y surrealistas que, combinados con el paisaje casi documental de Detroit, dan forma a una de las más singulares películas de cine afroamericano del periodo mudo.

Gordon Parks. Shaft
Estados Unidos, 1971, color, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 100’

“Shaft no tiene prejuicios, mata a cualquiera… no importa si es blanco o negro”. Con esta frase presentaba el novelista Ernest Tidyman al protagonista de Shaft (Bantam Books, 1970), la novela con la que inauguró su serie de relatos en torno a un detective privado afroamericano. El personaje venía a romper con los estereotipos que hasta ese momento habían presentado al hombre negro como una figura dócil y mansa, es decir, una figura que no resultaba amenazante para la mayoría blanca. En su lugar, como una suerte de respuesta negra a la fantasía masculina y colonial personificada en James Bond, el Shaft de Tidyman, llevado a la gran pantalla con financiación de la Metro-Goldwyn-Mayer, alardea de su potencia sexual y no tiene miedo de que se oiga su voz, ya sea literalmente o a través de la violencia. Su inmenso éxito comercial hizo que este filme se convirtiera en la plantilla para todo el cine blaxploitation que habría de llegar, pero, como jamás cesó de recordar su director, Gordon Parks, mientras su película fue rodada por un equipo mayoritariamente afroamericano, casi todo el blaxploitation que llegó después tuvo a cineastas blancos sin pudor en el filón industrial hasta agotarlo.

Michael Schultz. Car Wash
Estados Unidos, 1976, color, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 97’

En esta película confluyen algunas de las formas de expresión más populares que la comunidad afroamericana desarrolló a lo largo de la década de 1970. Escrita por un joven Joel Schumacher como libreto para un musical de Broadway, la productora Universal Pictures decidió que merecía la pena convertirla en largometraje y encargó la dirección a Michael Schultz, un cineasta afroamericano que había iniciado su carrera en el teatro. A través de una serie de sketches, fragmentos cotidianos y momentos musicales, la película muestra la vida de un grupo de trabajadores (mayoritariamente negros) que trabajan en un túnel de lavado en una zona del centro de Los Ángeles marcada por la multiculturalidad. Con un espíritu abiertamente integrador (pero no carente de crítica), por Car Wash desfilan: la cultura disco, el soul y el funk; algunas de las nuevas figuras de la comedia afroamericana, como Richard Pryor; un homosexual militantemente fuera del armario, un activista musulmán, una prostituta que usa el negocio como centro de operaciones e, incluso, el hijo de un empresario que luce con orgullo una camiseta de Mao Tse-Tung.

Richard C. Kahn. The Bronze Buckaroo
Estados Unidos, 1939, b/n, VO en inglés con subtítulos en español. DCP y AD, 58’

La figura del músico y actor Herb Jeffries (1914-2014) es interesante no solo por su trabajo como cantante e intérprete de varios wésterns, como este, dirigidos específicamente a una audiencia afroamericana. Nacido de madre irlandesa y padre italiano, pero con raíces norteafricanas, su trabajo con músicos afroamericanos y latinoamericanos (Duke Ellington y Juan Tizol, entre otros) le llevó a comprender la discriminación social tan extrema existente por el color de piel. Jeffries será conocido por interpretar a un héroe vaquero en wésterns producidos en la sociedad segregada de comienzos del siglo XX en Estados Unidos. Para ello, oscureció su piel con maquillaje y se presentó abiertamente como afroamericano, mostrando con orgullo unas raíces que muchos otros coetáneos trataban de ocultar para conseguir trabajo (“soy negro en tres octavas partes”, diría). En The Bronze Buckaroo, uno de estos múltiples wésterns de bajo presupuesto, interpreta a un cowboy que trata de ayudar a su amigo Joe frente a las amenazas del malvado Buck Thorne, deseoso de hacerse con el oro que ha encontrado en las tierras de Joe. Como era habitual en estas películas, sus escasos sesenta minutos ofrecen romance, tiroteos, comedia y música, todo ello diseñado para las salas de cine segregadas.

Spencer Williams. Dirty Gertie from Harlem U.S.A.
Estados Unidos, 1946, b/n, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 65’

Bill Gunn. Ganja & Hess
Estados Unidos, 1973, color, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 113’

Ganja & Hess es, y a la vez no es, una película blaxploitation. Producida con la intención de aprovechar el tirón popular de Drácula negro (1972), el cineasta William Gunn vio la oportunidad de convertir lo que parecía un encargo alimenticio en un filme formalmente vanguardista que desarrolla el vampirismo como una alegoría de la esclavitud. Así, Gunn amplía el potencial del relato hasta dar cabida a décadas de sufrimiento de la comunidad afroamericana: el virus que infecta al arqueólogo protagonista, convirtiéndole en una criatura enfermiza y sedienta de sangre, es el virus del pasado, una herida nunca cerrada que impide la construcción de una nueva identidad. A pesar del éxito de la película en Cannes, donde se alzó con el premio de la crítica, su paso por las salas comerciales fue tan desastroso que los productores decidieron mutilarla una y otra vez, y estrenarla con diferentes nombres, esperando recuperar la inversión. Afortunadamente, la versión íntegra fue recientemente recuperada y exhibida por el MoMA, cimentando su fama como obra de culto.

Ivan Dixon. The Spook Who Sat by the Door.
Estados Unidos, 1973, color, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 102’

Con la intención de demostrar su voluntad de integración racial, la CIA acoge a su primer agente afroamericano. Aunque las tareas que le encomiendan son todas de escasa responsabilidad, el agente aprovecha la oportunidad para estudiar tácticas que le sirvan para levantar una milicia y derrocar al gobierno. Adaptando la polémica novela homónima de Sam Greenlee, el filme de Ivan Dixon resulta paradigmático del tránsito que se había dado en la lucha por los derechos civiles durante la década de 1960, pasando de la protesta pacífica de Martin Luther King a la acción directa propugnada por los Panteras Negras. En ese sentido, The Spook Who Sat by the Door, al explicitar su carga antisistema, se convierte en uno de los grandes ejemplos del potencial político del blaxploitation. Tanto es así que se sospecha que el FBI, dirigido entonces por J. Edgar Hoover, requisó discretamente todas las copias de la película, la cual se salvó gracias a que el director había guardado una en secreto.

Larry Bullard y Carolyn Y. Johnson. A Dream is What You Wake Up From      
Estados Unidos, 1978, color, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 50’

Dedicado a la cineasta afrocubana Sara Gómez (1942-1974), en quien parece inspirarse, y a la activista mozambiqueña Josina Machel (1945-1971), este documental dramatizado mezcla ficción, documental y recreación histórica en un pionero y audaz análisis de la intersección de las categorías de raza, género y clase social. A Dream is What You Wake Up From contrasta la vida cotidiana en distintas familias de desigual nivel económico, los problemas con que se encuentran y las distintas posiciones subjetivas que adoptan al respecto.

Spike Lee. Do the Right Thing
Estados Unidos, 1989, color, VO en inglés con subtítulos en español, 110’

Figura clave del black film contemporáneo, Spike Lee fue uno de los primeros directores en introducir temáticas y reivindicaciones afroamericanas dentro del mainstream abriendo así un camino que han seguido luego cineastas posteriores como el británico Steve McQueen. A medio camino entre las posiciones de Martin Luther King y Malcolm X, con un reparto de futuras estrellas (Samuel L. Jackson, Rosie Perez y John Turturro) y música de Public Enemy, se sitúa entre la sátira y la crítica social. En 1989 el título Do the Right Thing llamaba a reaccionar a través de la historia de Mookie, un repartidor de pizzas que es testigo de las desigualdades, las tensiones y el racismo en la vida cotidiana de uno de los barrios más pobres de Brooklyn.

John Singleton. Boyz n the Hood
Estados Unidos, 1991, color, VO en inglés con subtítulos en español, 111’

John Singleton ha pasado a la historia como el primer director afroamericano en ser nominado al Oscar por esta película, con sólo 24 años y en su debut en la dirección. Boyz n the Hood narra el paso a la edad adulta de tres amigos de la infancia en un gueto de Los Ángeles marcado por la pobreza, la violencia entre bandas y la brutalidad policial. Acompañado por una banda sonora de rap y hip-hop —los grupos Compton's Most Wanted, 2 Live Crew, Tony! Toni! Toné! o el rapero Ice Cube— y los actores Cuba Gooding Jr., Morris Chestnut y Laurence Fishburne como protagonistas, Singleton admitiría que con este filme había abordado la realidad de los jóvenes negros en la calle a partir de su experiencia personal.

Stephen Winter. Chocolate Babies;
Estados Unidos, 1996, color, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 83’

En el debut de Stephen Winter, una banda terrorista formada por drag queens y transexuales negras seropositivas militantes se enfrentan a las políticas conservadoras y homófobas en las calles de Nueva York, y visibilizan la crisis del sida, especialmente entre las comunidades afroamericanas. Una sátira política que, combinando la rabia y el camp, se convirtió en una de las declaraciones más poderosa de la identidad negra queer en la década de 1990.

Cheryl Dunye. She Don't Fade
Estados Unidos, 1991, b/n, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 23’

Cheryl Dunye. The Watermelon Woman
Estados Unidos, 1996, color, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 90’

La obra de la cineasta Cheryl Dunye aborda los límites entre la ficción y el documental desde sus primeros títulos hasta su trabajo en populares series como Territorio Lovecraft (2020), articulándose siempre con humor a partir de la intersección de raza, género y sexualidad. She Don’t Fade es uno de sus “dunyementaries” (término con el que la propia Dunye se refiere a la mezcla de autobiografía y ficción en su trabajo) más famoso, dirigido y protagonizado por la cineasta. Una mezcla de historia personal e imaginaria sobre la sexualidad de una joven negra lesbiana. The Watermelon Woman, título que hace referencia a la película de Melvin Van Peebles, Watermelon Man, fue un hito del New Queer Cinema de la década de 1990 por abordar de frente la identidad lésbica negra y la imagen estereotipada de las mujeres racializadas en Hollywood a partir de la historia de una empleada de videoclub, la propia Dunye, fascinada por una desconocida actriz afroamericana de la década de 1930 conocida como “la mujer sandía”.

Haile Gerima. Hour Glass
Estados Unidos, 1971, b/n y color, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 13’
Cortesía de UCLA Film & Television Archive

Haile Gerima. Bush Mama
Estados Unidos, 1979, b/n, VO en inglés con subtítulos en español, 16 mm, 97’
Cortesía de UCLA Film & Television Archive

El cineasta etíope-americano Haile Gerima realizó estas dos películas sobre la toma de conciencia negra en el marco de la Escuela de cineastas negros de Los Ángeles, la L.A. Rebellion. Hour Glass, su primera película, es un filme de montaje político, un collage en blanco y negro y color, con música de la banda The Last Poets y de la líder de los Panteras Negras, la cantante y escritora Elaine Brown. En la película, un jugador de baloncesto negro entra en contacto con la obra de Frantz Fanon, Martin Luther King y Angela Y. Davis. Gerima conectaba así la lucha por los derechos civiles con las luchas del tercer mundo. Realizada en 1975 como película de graduación en la University of California en Los Ángeles (UCLA), con fotografía de Roderick Young y Charles Burnett, Bush Mama no llegó a estrenarse hasta 1979. Partiendo de imágenes documentales de la policía acosando al equipo, Gerima se desplaza del cinéma verité al agitprop para narrar la progresiva politización de una madre de familia enfrentada al deshumanizado sistema de asistencia social.

Larry Clark. Passing Through
Estados Unidos, 1977, color, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 105’
Cortesía de UCLA Film & Television Archive

Obra capital de la L.A. Rebellion, la escuela que en torno a la década de 1970 agrupó a los cineastas afroamericanos de la Universidad de California (UCLA), Passing Through fue la película de graduación de Larry Clark. Es también uno de los pocos largometrajes de ficción sobre el mundo del jazz, con música de John Coltrane, Charlie Parker y Sun Ra, realizados por un cineasta negro. A partir de la historia de un saxofonista recién salido de prisión y enfrentado a los ejecutivos blancos de la industria musical, Clark contrapone a esa explotación y mercantilización la subjetividad enérgica y rabiosa del jazz. Buscando una alternativa narrativa y formal a Hollywood, Clark encontró un espacio expresivo emulando la expresividad del jazz en el cine.

Cauleen Smith. The Changing Same
Estados Unidos, 2001, color y b/n, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 10’

Cauleen Smith. The Way Out Is the Way Two: Fourteen Short Films About Chicago and Sun Ra
Estados Unidos, 2012, color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 78’

Sesión doble con Cauleen Smith, artista y cineasta afrofeminista. El cortometraje es un giro de tuerca al afrofuturismo, género desarrollado entre la crítica social y la parodia que argumenta que el verdadero alienígena es el negro y que su libertad se producirá en el espacio exterior, lejos de la Tierra. Smith lleva la extravagancia afrofuturista al espacio más íntimo y existencial. En The Changing Same vemos a dos extraterrestres negros varados en un planeta Tierra vacío y buscando cómo relacionarse entre sí. The Way Out Is the Way Two: Fourteen Short Films About Chicago and Sun Ra es un homenaje a la música, al pensamiento y a los lugares transitados en Chicago por Sun Ra, maestro del jazz electrónico y de improvisación con su big band Arkestra y uno de los grandes teóricos del afrofuturismo. Smith fusiona en este largometraje documental de corte experimental la música, las conferencias y los escritos de este visionario irrepetible en 14 episodios entre el arte y la vida, la alegría y el duelo, la esperanza y la paranoia. En palabras de la cineasta: “este trabajo es una celebración del éxito de Sun Ra en su esfuerzo por demostrar que el pensamiento y la espiritualidad africanos eran fundamentales para todo el pensamiento y la ciencia modernos, así como una forma de expandir su legado para incluir su profundo amor y compromiso con la juventud afroamericana, con los desamparados y con los marginados”.

Alile Sharon Larkin. Your Children Come Back to You
Estados Unidos, 1979, b/n, VO en inglés con subtítulos en español, 16 mm, 27’
Cortesía de UCLA Film & Television Archive

Fronza Woods. Killing Time
Estados Unidos, 1979, color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 9’

Fronza Woods. Fannie's Film
Estados Unidos, 1982, b/n, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 15’

Julie Dash. Illusions
Estados Unidos, 1982, b/n, VO en inglés con subtítulos en español, 16 mm, 34’
Cortesía de UCLA Film & Television Archive

A finales de la década de 1970 y principios de la siguiente surgieron una serie de cineastas negras que se dedicaron a dar protagonismo y voz a las mujeres afroamericanas. Sus películas tienen un marcado carácter naturalista. Integrante de la L.A. Rebellion, Alile Sharon Larkin adoptó en Your Children Come Back To You el punto de vista de una niña dividida entre las convicciones de su madre, orgullosa de sus raíces, pero sin apenas medios económicos, y su tía, alienada por los valores blancos. Por su parte, Fronza Woods realizó varios retratos sobre mujeres invisibles: en Killing Time muestra el dilema de una mujer suicida que no encuentra el traje adecuado, mientras en Fannie’s Film se narra la rutina de una mujer de la limpieza de 65 años. Por último, Julie Dash muestra la vida de dos mujeres en la industria del cine de la década de 1940 que necesitan aparentar ser blancas para trabajar.

Arthur Jafa. Ms Hillsonga
Estados Unidos, 2017, color y b/n, sonido, AD, 4’

Arthur Jafa. Dreams are Colder than Death
Estados Unidos, 2014, color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 52’
Cortesía del artista y de Gladstone Gallery

Jafa es un caso singular y, en cierta medida, muy revelador de la condición generalizada de los cineastas y artistas afroamericanos. Considerado uno de los artistas contemporáneos más relevantes, dicho reconocimiento internacional se produjo en años recientes tras varias décadas de trabajo como director de fotografía para películas de Julie Dash (Daughters of the Dust, 1990) o Spike Lee (Crooklyn, 1994). Jafa defiende una identidad propia del black film a lo largo de toda su historia, basada tanto en el rol ético de las imágenes como en la singularidad de su propia forma. Acuña el concepto de BVI —Black Visual Intonation [Entonación Visual Negra]— para referirse a un montaje basado en el ritmo pulsante de la música negra. Ms Hillsonga es un torrente de 4 minutos de BVI con imágenes de violencia racial y vidas negras con el sonido tecno de Jeff Mills. Dreams are Colder than Death es un largometraje documental que recopila, cincuenta años después del famoso discurso “I Have a Dream” de Martin Luther King, una serie de voces, como la de Kara Walker o Charles Burnett, entre otros, que se preguntan sobre lo que implica ser negro hoy en los Estados Unidos. El trabajo de Jafa es una de las obras visuales más potentes contra la era Trump.

Kathleen Collins. Losing Ground
Estados Unidos, 1982, color, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 83’

Escritora y cineasta, Kathleen Collins destacó por su manera de abordar en relatos, obras de teatro, guiones de cine y películas unas relaciones conyugales caracterizadas por mujeres autorreflexivas que pasaban de un estado de subyugación a otro de empoderamiento. En ese sentido, Losing Ground fue un largometraje pionero a la hora de introducir la conciencia feminista afroamericana en las películas, si bien no llegó a tener estreno comercial. Se trataba de una comedia dramática semiautobiográfica en torno a la crisis matrimonial de una profesora de filosofía y su marido pintor. Un enredo amoroso atravesado por las cuestiones de raza y género, condenado al olvido por las distribuidoras y que ha sido redescubierto años después como un hito del cine independiente.

Billy Woodberry. Bless Their Little Hearts
Estados Unidos, 1984, b/n, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 80’
Cortesía de UCLA Film & Television Archive

Billy Woodberry filmó Bless Their Little Hearts en las calles del gueto angelino de Watts, tal y como haría Charles Burnett, su compañero en UCLA y en L.A. Rebellion. Bless Their Little Hearts es una historia sobre el desempleo, la pobreza crónica y el racismo institucionalizado que fue escrita y fotografiada por el propio Burnett. La estética naturalista deudora del neorrealismo, el tenebroso blanco y negro, y una áspera banda sonora de jazz hicieron de esta película un drama desgarrador, aunque nada sentimental, en el que la terrible realidad encuentra momentos cotidianos de gracia silenciosa.

Gordon Parks. The Learning Tree
Estados Unidos, 1969, color, VO en inglés con subtítulos en español, DCP y AD, 107’

La penúltima sesión del ciclo rinde tributo a The Learning Tree, la primera película dirigida por un cineasta afroamericano para un gran estudio de Hollywood, la Warner Bros. También rinde tributo a la gran figura de Gordon Parks, uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, también músico, escritor y cineasta, comprometido con relaciones raciales, la pobreza, los derechos civiles y la vida urbana. The Learning Tree lleva a la pantalla la novela autobiográfica homónima de Gordon Parks, el retrato de un joven negro y su viaje de la infancia a la madurez en una pequeña población de Kansas en la década de 1920. Parks dirigió el filme bajo la supervisión constante de la productora. Cuando la Library of Congress creó en 1989 su National Film Registry —una selección de películas consideradas clave dentro de la cultura cinematográfica estadounidense para su conservación—, The Learning Tree fue uno de los 25 primeros títulos en figurar.

Oscar Micheaux. Within Our Gates
Estados Unidos, 1920, b/n, muda, 35 mm, 79’. Versión no restaurada en Filmoteca Española

Estados Unidos, 1920, b/n, muda, AD, 80’. Versión restaurada en Museo Reina Sofía

—Con acompañamiento musical a cargo de The Silent Entertainers Band

El ciclo se cierra tal y como se inició, con la primera película dirigida por un cineasta afroamericano en la historia, Within Our Gates de Oscar Micheaux. En la clausura se proyecta la misma película en sus dos versiones. En el Cine Doré, la original en 35 mm que permitió la restauración, recuperación y divulgación del filme. Within Our Gates entró a formar parte de los fondos de la Filmoteca Española en 1961, procedente de una adquisición a los Laboratorios Arroyo, si bien no fue catalogada ni atribuida hasta 1992. La restauración se inició en 2003 a partir de la única copia original conservada a nivel internacional. En el Museo Reina Sofía, se proyecta esta versión restaurada. La proyección va acompañada en ambos pases de música en directo con una partitura realizada expresamente para la ocasión por el cuarteto The Silent Entertainers Band.