Ojos ávidos

Duración: 55 minutos

El primer cine de vanguardia se debate entre el entusiasmo fetichista y el escepticismo ante el progreso industrial y tecnológico que sigue al final de la Primera Guerra Mundial. Este cine encuentra uno de sus objetos centrales en la ciudad moderna concebida como un organismo de funcionamiento preciso: nace así la sinfonía urbana. Manhattan se yergue como el prototipo de esta urbe utópica, como en Manhatta o Skyscraper Symphony. Tal combinación de fascinación y perplejidad se revela también en el desembarco de las estéticas de las vanguardias europeas: en la comicidad mecanicista de Ballet mecánico; en la parodia trágica del itinerario urbano del antihéroe de The Life and Death of9413; o, de manera más conceptual, en las indagaciones sobre el lenguaje y la visión planteadas por Marcel Duchamp en Anémic Cinéma.

Duración: 83 minutos

Una mayor expansión de las propuestas de las vanguardias  marca el cine experimental de los años treinta, que matiza y amplifica la herencia de la década anterior. El legado de la sinfonía urbana cobra un aspecto más poético e intimista en filmes como A Bronx Morning. El protagonismo de los elementos rítmicos y el canto a la era de la máquina vuelven a estar presentes en Mechanical Principles de Ralph Steiner. Otras películas, como Poem 8 y Lot in Sodom, potencian las coreografías de cuerpos sensuales o abiertamente sexuados. Con la intención de dar forma a imágenes mentales, Oskar Fischinger indaga en las capacidades expresivas del medio mediante referencias exclusivamente abstractas. El interés por la descontextualización de imágenes propia del collage lleva a Joseph Cornell a poner en práctica una combinación de cine de metraje encontrado y estrategias surrealistas de combinación de materiales ajenos, entre la fascinación por el espectáculo y la nostalgia infantil.

Duración: 59 minutos

Durante los años cuarenta, algunas propuestas reinciden en la autonomía de la imagen y en los mundos creados en su interior: la orquestación de música y formas abstractas es la piedra angular de Tarantella, mientras Meshes of the Afternoon muestra la pervivencia del automatismo en el cine. En The Pursuit of Happiness, la metrópoli se plantea como el espacio del encuentro casual y la búsqueda de sentido de cada individuo, aparentemente liberado, por vía del consumo, de la alienación a la que le confinaba la sinfonía urbana de años precedentes. La irrupción de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial empaña gran parte de la producción del cine de vanguardia y lo carga de violencia: 1941 recrea el ataque japonés a Pearl Harbor. Entre campo de batalla y teatro sitúan de manera explícita los directores de In the Street al barrio neoyorquino de Harlem, impregnado de la estética de una fotografía callejera. Una violencia que se muestra de manera más explícita en la coreografía entre cámara, directora e intérprete que despliega Meditation on Violence.

Duración: 75 minutos

Los años cincuenta discurren entre dos polos: Por un lado, la persistencia y el enriquecimiento de los experimentos abstractos presentes en Abstronic, Evolution, Gyromorphosis y N.Y, N.Y. ; por otro, el elemento lúdico y el ritual del deseo erótico, presente en Four in the Afternoon y Eaux d'Artifice, donde el agua cobra un componente abstracto y onírico. En Bells of Atlantis las referencias mitopoéticas, casi un ejercicio de escritura automática confesional, funcionan como indagación sobre el subconsciente y los recuerdos intrauterinos. Este juego entre organicismo y abstracción reaparece, de nuevo con el deseo como fondo, en Hurry, Hurry! mediante la yuxtaposición de imágenes microscópicas de espermatozoides con otras de hombres que buscan ansiosamente a un compañero sexual.

Duración: 53 minutos

Los años sesenta tienen en común una reducción de la narración y la atención a acciones que permiten indagar sobre elementos del propio medio cinematográfico. 9 Variations on a Dance Theme acentúa los movimientos de cámara que articulan un lenguaje específico, como el de la danza. Film That Rises to the Surface of Clarified Butter insiste en el gesto del animador de dibujos para volver a la metáfora acerca de la relación engañosa entre la realidad bidimensional del filme y el mundo real. Las superposiciones múltiples de Castro Street (The Coming of Consciousness) y el constante travelling revelan la mirada de un caminante en un paisaje industrial paralizado. El fragmento de Walden: Diaries, Notes and Sketches se centra en vivencias simples e inmediatas, a modo de instantáneas de momentos vitales de Jonas Mekas. Por su parte, la recuperación de una estética de apropiación surrealista convierte Our Lady of the Sphere en un relato intencionalmente ilegible entre la ciencia-ficción, el mundo de la fantasía infantil y el sueño. La sesión se cierra con una película inesperada y sorpresa, que alude a cómo se ha exhibido el cine experimental.

Duración: 70 minutos

El desarrollo del vídeo y su popularización durante los años setenta empuja al cine experimental a indagar en su propia naturaleza. Al mismo tiempo, la nueva situación sociopolítica en los Estados Unidos de la era de las protestas aflora en algunas propuestas como Love it / Leave it, ensayo sobre el patriotismo y el consumo. El trabajo acerca del propio soporte cinematográfico se sitúa en el centro de DL2 (Disintegration Line #2), basada en animaciones abstractas, mientras que Transport vuelve a la idea de la coreografía humana. En Sappho and Jerry, Bruce Posner regresa a la estrategia de alteración del metraje encontrado, contrastando su propia práctica como cineasta con su trabajo de restauración del histórico Manhatta.. La sesión se completa con tres películas  fuera del marco cronológico, a modo de diálogo entre el pasado y el presente del cine experimental: Cha'an, de Francis Lee, donde el tratamiento fílmico redobla la cualidad acuática de las pinturas a tinta del propio autor y sugiere una reaparición del cine-poesía; Seasons… de Phil Solomon que recupera y reactiva el celuloide pintado y rasgado por Stan Brackhage; y la mencionada Manhatta.